Выставка моне в пушкинском. «Олимпия» Эдуарда Мане из собрания Музея д'Орсэ (Париж). Картина написана в типичной для Ван Гога технике импасто. Краска наложена очень густыми крупными мазками

МОСКВА, 18 апреля. /ТАСС/. Полотно "Олимпия" одного из основоположников импрессионизма Эдуарда Мане из собрания Музея д`Орсэ, всего лишь во второй раз покинувшее Францию с момента своего создания в 1863 году, представлено на выставке в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина.

"Олимпия" в ГМИИ

"Исключительность момента нам трудно осознать, это произошло, и величайшее произведение Мане оказалось в наших стенах", - сказала в понедельник на вернисаже директор Пушкинского музея Марина Лошак.

По ее словам, это произошло благодаря давним дружеским отношениям российского и французского музеев и инициативе президента ГМИИ им. А. С. Пушкина Ирины Антоновой, которая выступила куратором экспозиции.

Та, в свою очередь, сравнила по значимости гастроли "Олимпии" в Пушкинском музее с состоявшимися уже много лет назад показами "Джоконды" Леонардо да Винчи и "Сикстинской Мадонны" Рафаэля.

Специально для "Олимпии", которая писалась Мане как современная Венера, в музее освободили зал и дополнили полотно произведениями из собрания ГМИИ, которые наилучшим образом помогают понять замысел художника, а также раскрывают тему женской красоты и любви в разные эпохи. Это картины "Королева (Жена короля)" Поля Гогена (1895 г.) и "Дама за туалетом, или Форнарина" (начало 1520-х годов) Джулио Романо, а также скульптура Праксителя Афродита Книдская (копия римского времени с оригинала около 350 г. до н. э.).

Поворот к новому времени

"Олимпия" - удивительное по своими художественным качествам и своей новизне для того времени произведение, которое продолжает действовать на наше воображение и сегодня. Эта картина проложила рубеж между предыдущим развитием живописи и искусством нового времени. Своей "Олимпией" Мане доказал, что можно относиться самым критическим образом к своему времени и открывать какие-то его стороны, о которых никто никогда и не думал", - рассказала Антонова.

Публичный показ "Олимпии", которую Мане писал, вдохновившись образом "Венеры Урбинской" Тициана, на Парижском салоне в 1865 году сопровождал грандиозный скандал, и поначалу судьба картины складывалась не очень благополучно. Ее даже хотели продать за рубеж, чему воспрепятствовали собравшие необходимую сумму друзья художника. Таким образом она осталась во Франции и начала свое путешествие по музейным собраниям, пока не осела в Музее д`Орсэ.

"О связи межу картинами было известно с момента создания "Олимпии", но это две совершенно разные Венеры, поскольку в "Олимпии" модель известна и узнаваема, и в данном случае она играет роль куртизанки, что символизирует наступление новой эпохи в живописи", - сказал президент Музее д`Орсэ Ги Кожеваль.

Встреча двух Венер

В 2013 году Венеры Тициана и Мане встретились на выставке "Мане. Возвращение в Италию" в венецианском Дворце дожей, а показ "Олимпии" в России оказался возможен потому, что, по словам Кожеваля, в собраниях ГМИИ и Эрмитажа находятся великолепные образцы французской живописи.

"Я убежден, что это два великих музея мира, где очень хорошо представлено французское искусство, по коллекциям которых можно проследить зарождение и расцвет французского искусства нового времени", - резюмировал он.

Основоположниками этих коллекций были дореволюционные коллекционеры и меценаты Сергей Щукин и Иван Морозов. После революции собрания были национализированы, помещены в Государственный музей нового западного искусства, а после его расформирования распределены между ГМИИ и Эрмитажем. Вскоре, осенью этого года, значительную часть собрания Сергея Щукина с произведениями Анри Матисса и Пабло Пикассо представят в парижском Foundation Louis Vuitton, а уже сегодня Лошак, Антонова и Кожеваль обсудят будущие совместные проекты.

Выставка знаменитой картины пройдет с 19 апреля по 17 июля 2016. «Олимпия» покинет стены Музея д’Орсэ в Париже всего лишь второй раз с момента своего написания в 1863 году

ГМИИ имени А. С. Пушкина
19 апреля - 17 июля 2016
Главное здание, Москва, Волхонка, 12

Выставка «“Олимпия” Эдуара Мане из собрания Музея д"Орсэ (Париж)» открывается в Музее 19 апреля 2016 года. Едва ли не самый знаменитый шедевр одного из основателей импрессионизма, написанный им в 1863 году и лишь однажды покидавший стены Музея д’Орсэ в Париже, предстанет на выставке в окружении трех работ из собрания ГМИИ им. А. С. Пушкина - картины «Королева (Жена короля)» Поля Гогена (1895), полотна «Дама за туалетом» Джулио Пиппи, прозванного Романо (начало 1520-х), и скульптуры Афродита Книдская Праксителя (копия римского времени с оригинала ок. 350 г. до н. э.).

Отправной точкой для возникновения «Олимпии» стало желание Эдуара Мане переосмыслить образную и пластическую «формулу» «Венеры Урбинской» Тициана в духе своей эпохи, то есть написать современную Венеру. «Наш долг, - утверждал Мане, - извлечь из нашей эпохи все, что она может предложить, не забывая и о том, что было открыто и найдено до нас». С этой точки зрения замысел «Олимпии» в самом общем плане состоял в попытке поднять современность до высоких классических образцов и на этом пути обрести новое понимание и того и другого. Не известно, кому пришло в голову переименовать Венеру в Олимпию, но название прижилось. Оно, с точки зрения критиков, которые в своих отзывах буквально разгромили картину на Парижском салоне 1865 года, усугубляло ее «неприличие», ибо так звали одну из героинь романа (1848) и одноименной драмы (1852) Александра Дюма-сына «Дама с камелиями». Олимпия - антагонистка главной героини, блестящая, холодная, расчетливая, не верящая в любовь и не способная никому ее дать. В Париже XIX века это имя какое-то время было нарицательным для всех дам ее профессии. Значит, «Олимпия» - это «Венера-куртизанка».

Героиня возлежит на шелковистой поверхности виртуозно написанных белых тканей; переливчатая вибрация оттенков рождает эффект сияния, напоминающий перламутровое свечение внутри морской раковины, образ которой также связан с темой богини любви. Но у Олимпии нет самосознания богини, которой принадлежит весь мир. Скорее, она подобна срезанному цветку - украшающей ее волосы орхидее, расцветшей ненадолго, чтобы вскоре отцвести. Привычная отрешенность в ее взгляде смиряет внутреннее напряжение, превращая его в равнодушие. Браслет, серьги, бархотка с драгоценным камнем призваны, как и в полотне Тициана, подчеркнуть в наготе момент полураздетости и, стало быть, интимности, а домашние туфельки - одна одетая, другая соскользнувшая с ноги и открывшая кончики пальцев, - пробуждают слабый, как бы мимоходом, укол чувственности и дух будуара.

Обращение к «Венере Урбинской» и дальнейшая интерпретация характера персонажа заставили Мане вести диалог не только с картиной Тициана, но и с длительной традицией существования этой темы в европейской художественной культуре в целом. Постоянство присутствия подобной героини в произведениях искусства на протяжении столетий объясняется, во-первых, особой ролью мифа в изобразительном искусстве вообще, во-вторых, конкретным содержанием связанного именно с ней повествования, заключающего в себе осмысление двух тесно сопряженных между собой ценностей, занимающих важное место в сфере идеальных представлений человечества. Ими являются Любовь и Красота, воплощенные в образе прекрасной женщины.

Истоки этой темы, преломившейся в шедеврах Тициана, Веласкеса, Гойи, Мане и других мастеров, восходят к творчеству древнегреческого скульптора Праксителя. В его произведениях отразился совершившийся в греческом искусстве второй половины IV века до н.э. переход от преобладания героического и волевого мужского идеала, господствовавшего в высокой классике V века - у Поликлета, Мирона Фидия, сообщавших даже женским божествам (Гере, Артемиде, особенно Афине) черты титанизма и мужественности, - к женскому, наделенному чертами интимности, лиризма, мечтательности. Пракситель прославился своими изображениями богини любви и красоты Афродиты, особенно той, что была выполнена им по заказу жителей острова Книд около 340–330 годов до н.э. и для которой ему позировала легендарная красавица, гетера (в переводе «подруга», представительница свободной любви) Фрина.

Картина из собрания ГМИИ им. А. С. Пушкина под названием «Дама за туалетом» относится к началу 1520-х годов и хронологически предшествует шедевру Тициана, но стадиально принадлежит более позднему историческому периоду, так как выполнена художником Джулио Пиппи, по прозвищу Романо (Римлянин) (1499–1546), учеником Рафаэля, связанным с поколением мастеров - наследников великих гениев Возрождения. Работа Джулио Романо обнаруживает близость к произведению Рафаэля «Портрет молодой женщины, или Форнарина» (1518–1519; Рим, Галерея Боргезе). Как можно заметить, Романо близко следует образцу, однако он значительно смелее открывает фигуру своей героини, сделав ее почти полностью обозримой. Художник специально акцентирует ее наготу с помощью прозрачной вуали, которая не столько скрывает женские прелести дамы, сколько призывает напрячь зрение, чтобы их разглядеть. Но истинный посыл в обоих случаях, и у Рафаэля, и у Романо, - попытка через светский жанр, родившийся на почве реальности, через мотив женской наготы обратиться к поэтической органике мифа.

Картина основателя символизма в европейской живописи Поля Гогена (1848–1903) из собрания ГМИИ им. А. С. Пушкина «Te Arii Vahine. Королева (Жена короля)» (1895), была написана художником во время пребывания на Таити. Свою героиню «королевского рода» художник нашел среди жителей островов Океании, в мире древних идолов и незнакомых богов, в атмосфере, овеянной духами предков, среди простых людей и их незамысловатых занятий: рыбная ловля, сбор плодов, молитва, беседа, отдых составляют приметы их бытия. В местных жителях художник обнаруживает систему пропорций греческих ваятелей. Местная красавица представлена им отдыхающей на зеленом склоне; она непринужденно повторяет позу и силуэт лежащей Венеры (и Олимпии, репродукцию которой Гоген взял с собой в свое экзотическое путешествие), свободной, однако, от всех атрибутов европейской цивилизации: не гетера, не мать семейства, а сама природа, воплощение человеческого естества, лишь подчеркнутая в этом своем значении организующей волей художника.

• 28.06.2019 СМИ приводят слова директора Ирбитского музея изобразительных искусства Валерия Карпова: «Исследование в Эрмитаже подтвердило бесспорную подлинность картины»
• 28.06.2019 Очередная станция новой розовой Некрасовской ветки станет одной из самых ярких в московском метро. Главный архитектор города рассказал, что при разработке проекта авторы вдохновлялись картинами Малевича, Лисицкого и Суетина
• 27.06.2019 Рыболовлев подал к аукционному дому иск на $380 000 000 в качестве компенсации ущерба, полученного в сделках с участием своего консультанта Бувье. Так вышло, что Sotheby’s сопровождал больше трети из его злосчастных сделок с искусством
• 27.06.2019 Завтра во Франции должен был состояться аукцион Labarbe, на котором чудесным образом обретенный холст «Юдифь и Олоферн» хотели продать со старта почти в $40 000 000
• 25.06.2019 Это совместный проект банка с Пушкинским музеем, где до 15 сентября 2019 года проходит выставка «Щукин. Биография коллекции»

• 25.06.2019 Традиционные двадцать лотов AI Аукциона - это восемь живописных работ, шесть листов оригинальной и два - печатной графики, три работы в смешанной технике и одна скульптура из дерева
• 21.06.2019 Продано 50%. Покупали Москва, Сергиев Посад, город Энгельс Саратовской области и др.
• 21.06.2019 В минувшую субботу аукционный дом «Литфонд» продал картин, рисунков, фарфора, книг, карт, автографов, фотографий и др. на 57,9 млн.руб. Топ-лотом стала живописная работа Валентина Серова – 18,75 млн.руб.
• 20.06.2019 В субботу 22 июня в доме «Русская эмаль» в рамках ежемесячного аукциона покупателям предложат 516 лотов картин, рисунков, икон, изделий из серебра, фарфора, стекла, ювелирных украшений и др.
• 19.06.2019 Традиционные двадцать лотов AI Аукциона - это десять живописных работ, пять листов оригинальной и два - печатной графики, работа с элементами коллажа, фотоальбом и фарфоровая тарелка с авторской росписью

• 06.06.2019 Предчувствие не подвело. Покупатели были в хорошем настроении, и торги прошли здорово. В первый же день «русской недели» был обновлен топ-10 аукционных результатов для русского искусства. За Петрова-Водкина заплатили почти $12 млн
• 23.05.2019 Вы удивитесь, но в этот раз у меня хорошее предчувствие. Думаю, что покупательская активность будет выше, чем в прошлый раз. И цены, скорее всего, удивят. Почему? Об этом будет пара слов в самом конце
• 13.05.2019 Многие считают, что столь высокая концентрация очень богатых людей неизбежно создает адекватный спрос на внутреннем рынке искусства. Увы, масштаб покупок картин в России отнюдь не прямо пропорционален сумме личных состояний
• 24.04.2019 Из прежних прогнозируемых IT-прорывов, на удивление, многое не сбылось. Может, и к лучшему. Есть мнение, что вместо помощи мировые интернет-гиганты ведут нас в западню. И только малая часть самого богатого населения вовремя сориентировалась, что к чему
• 29.03.2019 Познакомившимся в морге студентам Строгановки было суждено стать изобретателями соц-арта, зачинщиками «бульдозерной выставки», торговцами американскими душами и самыми узнаваемыми представителями независимого советского искусства в мире С 19 июня по 15 сентября в Главное здание ГМИИ на Волхонке, 12, выстроятся очереди ради выставки около 150 работ из собрания Сергея Щукина - полотен Моне, Пикассо, Гогена, Дерена, Матисса и других из собраний ГМИИ им. Пушкина, Эрмитажа, Музея Востока и пр.
• 11.06.2019 В Лондон на выставку привезли около 170 работ Гончаровой из музеев и коллекций со всего мира, включая Россию
• 07.06.2019 В Галерее Церетели на Пречистенке до конца июня проходит большая персональная выставка Константина Александровича Батынкова, отмечающего в этом году своё 60-летие

Полотно Эдуарда Мане на три месяца стало украшением Государственного музея изобразительных искусств имени Пушкина. «Олимпия» - едва ли не самый знаменитый шедевр одного из основателей импрессионизма. Написанная в 1863-м, картина, спустя два года, оказалась в центре беспрецедентного скандала на Парижском салоне. Её называли неприличной, а автора обвиняли в нарушении норм общественной нравственности. Прошло время, и как это нередко бывает в истории искусства, буря возмущения, разыгравшаяся полтора столетия назад, у современной публики вызывает искреннее недоумение.

С момента создания в 1863 году «Олимпия» Эдуарда Мане покидала Францию всего однажды - в 2013 году. Тогда картину выставляли в Венеции во дворце Дожей. Нынешняя выставка в Пушкинском музее - второй такой беспрецедентный случай. Французы настолько гордятся этим полотном, что решение о его отправке за пределы страны в обоих случаях принималось на самом высоком уровне.

«Поскольку после Венеции у меня был налажен контакт с президентом Французской Республики, я обратился к нему с вопросом, можем ли мы привезти "Олимпию" в Россию. Он сказал, что не против, чтобы эта картина была предоставлена на выставке», - признался президент Музея д"Орсэ Ги Кожеваль.

«Спасибо огромное Музею д"Орсэ, спасибо правительству Франции, мы запомним ваше особое отношение и тоже привезём вам что-нибудь хорошее, уже в этом году», - ответил министр культуры России Владимир Мединский.

Президент Пушкинского музея Ирина Антонова сравнила появление полотна Эдуарда Мане в Пушкинском музее с чудом. По ее словам, это этапное произведение. Картина стала рубежом между всей предшествующей мировой живописью и искусством нового времени. Поводом для создания полотна стало желание Мане вступить в диалог с «Венерой Урбинской» Тициана, созданной на три столетия раньше. Примечательно, что модель, которая позировала Мане, не была куртизанкой, она лишь играет эту роль на картине, что было в новинку для XIX века.

«"Олимпия" - очень французская картина. Ее тема становится весьма важной для XIX столетия. И мы находим образы, созвучные "Олимпии", только в другом ракурсе, и в Сонечке Мармеладовой у Достоевского, и в Катюше Масловой у Толстого», - рассказала президент ГМИИ им. А.С. Пушкина Ирина Антонова.

В свое время «Олимпия» Эдуарда Мане вызвала резкое неприятие и критики, и зрителей. «Это самка гориллы, сделанная из каучука», - вот лишь один из отзывов того времени. На Парижском салоне 1865 года картину пришлось поместить в самый дальний зал и повесить высоко от пола - чтобы до нее не долетали плевки возмущенных зрителей.

«Трудно даже представить, чем она так раздражила зрителей, что заставило говорить, что это ничтожество даже невозможно оценивать. Но так всегда происходит. Энергия неприятия - она чудовищная. Зато потом энергия восприятия - аналогичная», - отметила директор ГМИИ им. А.С. Пушкина Марина Лошак.

В Пушкинском музее «Олимпия» пробудет три месяца. Чтобы ей не было скучно, выставку аранжировали тремя произведениями на схожую тему из собрания ГМИИ - слепком скульптуры Праксителя «Афродита Книдская», картиной Джулио Романо «Дама за туалетом» и «Королевой» Поля Гогена, который в своей картине по-своему переосмыслил «Олимпию» Мане.

И музей Метрополитен в Нью-Йорке.

За такое наследие мы благодарны двум дореволюционным коллекционерам – промышленнику Ивану Морозову и купцу Сергею Щукину. Именно они тратили сотни тысяч франков в год на покупку будущих шедевров.

Вот лишь 7 полотен, мимо которых нельзя пройти мимо.

Другим шрифтом и цветом выделена часть текста: это означает, что указанные особенности картин вы можете наблюдать только вживую.

1. Пьер-Огюст Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари. 1877 г.

Пьер-Огюст Ренуар. Портрет Жанны Самари. 1877 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва. Из коллекции Ивана Морозова.

Картина на самом деле являлась этюдом к другому, парадному . Он сейчас хранится в Эрмитаже. Однако большинством искусствоведов именно этот “незаконченный” портрет считается одним из главных шедевров Ренуара. Эта картина – квинтэссенция женской чувственности и обаяния.

У картины есть небольшой секрет. Если вы смотрите на неё прямо, то платье актрисы зеленое. Если же вы посмотрите на неё сбоку, то платье становится синим.

Когда портрет показали на выставке в 1873 году, многие современники Ренуара её не поняли: “Её руки словно рыбья чешуя!” Но были и сторонники: “Этот портрет можно есть ложкой!”

Ренуар приукрасил внешность девушки. В жизни Жанна была не так хороша. Зато была смешлива и обладала обаятельнейшей улыбкой. В неё влюбился молодой человек из богатой семьи. Аристократы не пожелали принимать в семью представительницу легкомысленной профессии. На свадьбу никто из них не пришёл.

Жанна умрет в 32 года от брюшного тифа. Оставив мужу двух дочерей. А ещё этот портрет. Он провесит в его квартире до самой его смерти.

О картине также читайте в статье .

2. Винсент Ван Гог. Красные виноградники в Арле. 1888 г.

Винсент Ван Гог. Красные виноградники в Арле. 1888 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва. Из коллекции Ивана Морозова

Ван Гог написал эту картину в провинциальном городке Арле. Сюда он приехал из Парижа в поисках ярких красок. Поиски его увенчались успехом. Самые яркие и известные картины он создаёт именно здесь. И его знаменитые , и . В том числе “Красные виноградники”.

На самом деле виноградники не красные. Зелень лишь временно приобрела красный оттенок под лучами заходящего солнца. Ван Гог никак не мог пройти мимо такого оптического эффекта.

Картина написана в типичной для Ван Гога технике импасто. Краска наложена очень густыми крупными мазками.

Картина еще известна тем, что она была приобретена за приличные деньги – 350 франков. До этого Ван Гогу удалось продать не более 20 своих работ за гораздо более скромные деньги.

Считается, что это было началом его признания. И если бы не роковой выстрел себе в грудь в 1889 году, Ван Гог уже очень скоро стал бы баснословно богат.

О самом первом шедевре мастера читайте в статье

3. Поль Сезанн. Пьеро и Арлекин. 1888 г.

Поль Сезанн. Пьеро и Арлекин. 1888 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва. Из коллекции Сергея Щукина

Сезанн был полным антиподом импрессиониста. Он стремился создать монументальное, существующее вне времён. В отличие от импрессионистов, которые стремились передать впечатление от сиюминутного.

Клод Моне писал свои картины считанные часы и даже минуты. Как, например, свою знаменитую картину.

Сезанн же работал над “Пьеро и Арлекино” 2 года! Ему позировали сын и друг сына. Никто бы другой не согласился на сотни изнурительных сеансов.

Обратите внимания, как тщательно прорисован костюм Пьеро. Он только издалека кажется белым. Вблизи же вы увидите, что складки написаны зеленой и синей красками.

Композиция картины тоже необычна. Пьеро тычет в спину Арлекина кулаком. Видимо, выслушав очередную колкость от высокомерного Арлекина, чувствительный, но трусливый Пьеро не решился показать кулак в лицо.

Позу Арлекина художник не раз менял. В результате его нога оказалась у самого края холста. Художник даже отогнул его, чтобы ступня уместилась.

4. Поль Гоген. А, ты ревнуешь? 1892 г.

Поль Гоген. А, ты ревнуешь? 1892 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва. Из коллекции Сергея Щукина.

Гогена всегда тяготила чопорная Европа. Наполовину перуанец по материнской линии он до семи лет жил среди экзотической природы Южной Америки. Поэтому ничего удивительного, что однажды он сбежал из Парижа на Таити.

Картина “А, ты ревнуешь?” -одна из лучших его таитянских работ. Она яркая, экзотичная. Именно по таким работам Гоген более всего узнаваем.

На картине изображен подсмотренный художником момент жизни таитянских девушек. Они ведут неспешный разговор, приняв расслабленные позы.

Одна удивлена, почему другая ревнует. О теме разговора мы понимаем по фразе, написанной Гогеном внизу “А, ты ревнуешь?” Для нас эта сценка не будет понятна, если не знать обычаев таитян.

Таитяне были сторонниками свободной любви. Даже замужняя девушка могла провести ночь с другим мужчиной. Поэтому ревность считалась неуместной.

Отсюда удивление одной девушки по отношению к ревности другой. Да, она провела ночь с возлюбленным своей подруги. Что же здесь такого? Вот такие нравы.

В отличие от Ван Гога, Гоген не любил технику импасто. Писал однослойно. Поэтому сквозь краску легко разглядеть плетение холста.

5. Эдгар Дега “Голубые танцовщицы”. 1897 г.

Эдгар Дега. Голубые танцовщицы. 1897 г. Галерея искусств Америки и Европы 19-20 вв. ГМИИ им. А.Пушкина, Москва. Из коллекции Сергея Щукина

Считается, что Дега был живописцем танцовщиц. Но как он сам утверждал, он любил не танцовщиц, а движение и красивые платья. Именно это он и искал в балеринах.

Вам может показаться, что на картине танцует четыре танцовщицы. На самом деле они не танцуют. И их вовсе не четыре!

Скорее всего Дега изобразил одну девушку в разных ракурсах. В его архивах после смерти обнаружили как раз фотографии одной и той же девушки в разные моменты движения.

Мы видим, как она нагнулась поправить пуант. В следующее мгновение она поправляет лямки платья. А затем она держится за декорацию, чтобы осмотреть своё платье.

Голубого сияющего цвета Дега добился необычным способом. Картина написана пастелью. Это что-то вроде восковых мелков. Дега воздействовал на неё паром.

Под действием пара пастель размягчалась, и художник распределял её по холсту кистью. Это придало ей ещё большее сияние.

О других секретах картины читайте в статье

6. Клод Моне. Белые кувшинки. 1899 г.

Клод Моне. Белые кувшинки. 1899 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки, 19-20 вв.), г. Москва. Из коллекции Сергея Щукина

Ближе к 50 годам Клод Моне наконец получил заслуженное признание. Его картины стали покупать за приличные деньги. Не раздумывая, он купил себе дом в живописной провинции Живерни. Здесь он разбил великолепный сад с прудом.

При покупке дома пруда на участке не было. Мане создал его искусственно, изменив русло близлежащей речки.

Моне проживет в Живерни 43 года. В своём саду он напишет сотни картин. Из них 12 работ – с японским мостиком. Та, что хранится в Пушкинском музее, считается одной из лучших в этой серии.

Кстати, кувшинки в пруду появились незадолго до написания этой картины. До этого мостик простирался над чистой гладью воды, как на картине “Мост в саду Моне”.

Клод Моне. Мост в саду Моне. 1895-1896 гг. Частная коллекция

Еще о двух шедеврах Моне из Пушкинского музея читайте в статьях: Анри Матисс. Красные рыбки. 1912 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва. Из коллекции Сергея Щукина

На картине мы видим очень небольшую часть оранжереи. На столике стоит банка с золотыми рыбками. Слева виднеется плетёное кресло. Зелень растений делает рыбок ещё более яркими.

Часто о картине Матисса говорят, что она как будто написана ребёнком. Да, натюрморт кажется незавершенным и наивным. Матисс сознательно «упрощал» свою живопись. Он отказался от смешения цветов и мелких деталей. Чтобы не заглушать влияние цвета на зрителя.

Картина написана после посещения художником Марокко. Там он был поражён тем, как арабы часами смотрят на золотых рыбок. Матисс и создал “Золотых рыбок” для неспешного созерцания и медитации.

Вы сами можете почувствовать, как картина “затягивает”. Перед ней хочется долго стоять, никуда не спеша. Матисс говорил “Я хочу, чтобы усталый, измученный зритель мог вкусить перед моей картиной мир и отдохновение”.

Матисс написал немало натюрмортов с рыбками. Но та, что хранится в Пушкинском, также считается одной из лучших.

Картины Анри Матисса в музее современного искусства в Нью-Йорке. Слева: “Золотые рыбки и скульптура” 1911 г. Справа: “Золотые рыбки и палитра”. 1914 г.

После революции коллекции Щукина и Морозова были национализированы. Дом Щукина превратили в музей. Бывшему хозяину позволили жить в домике привратника. До отъезда из России в 1919 году он водил экскурсии по своему бывшему особняку.

Ивана Морозова тем временем назначили помощником хранителя его же коллекции. Он также покинул Россию в 1919 году и вскоре умер во Франции…

Картины, которые хранятся в главном здании музея, вы можете изучить в статье.

Для тех, кто не хочет пропустить самое интересное о художниках и картинах. Оставьте свой e-mail (в форме под текстом), и Вы первыми будете узнавать о новых статьях в моем блоге.

Проверьте себя: пройдите онлайн-тест

Вконтакте

Ревизор/Ирина Ремнева

Знаменитая картина одного из основателей импрессионизма Эдуарда Мане "Олимпия", хранящаяся в парижском Музее д’Орсэ, приехала в Москву. Её первое представление на публике в 1865 году вызвало скандал, а сегодня музеи всего мира мечтают заполучить полотно хоть на короткое время. В 2013 году картина впервые была вывезена из Франции и представлена на выставке в Венеции, и вот теперь исключительное право показать полотно получил ГМИИ им. Пушкина.

"Олимпия" была написана Эдуардом Мане в 1863 году и сегодня по праву входит в список шедевров мирового изобразительного искусства. В своей работе он сделал попытку переосмыслить образную и пластическую "формулу" "Венеры Урбинской" кисти Тициана, пояснила искусствовед и автор текстов к экспозиции в ГМИИ им. Пушкина Марина Свидерская. Мане взял за основу женское природное начало богини Венеры и попытался соединить его с настроениями своей эпохи. Он вступил в диалог с полотном Тициана, а также с темой любви и красоты в европейском искусстве. И в результате создал совершенно новый изобразительный язык.

В отличие от большинства импрессионистов, которые тяготели к созданию этюдов, наполненных впечатлениями и игрой светотени, Мане стремился писать полноценные картины с серьезным сюжетом. С этим связано и его желание выставляться в салоне. По словам Свидерской, он хотел войти в систему, чтобы приучить ее к своей живописи и изменить. Именно поэтому он представил полотно "Олимпия" в 1865 году на знаменитом парижском салоне.

Критики разгромили картину. "Олимпия" вызвала такой шквал возмущения, что по воспоминаниям современников возле неё сначала пришлось выставить охрану, а затем и вовсе поднять полотно под самый потолок в дальнем углу выставки. Творческие поиски реалиста Мане столкнулись с идеальным мифологическим образом, который в связи с этим приобрел совершенно иное звучание. Публика увидела не привычную обнаженную идеальную богиню, а именно голую женщину, распущенную куртизанку, которая совершенно не стесняется своего положения, а наоборот достаточно смело глядит на зрителя. Этот эффект "неприличия" усугубило и то, что в "Олимпии" без труда можно было узнать совершенно конкретного человека - любимую натурщицу Мане Викторину Меран. Да и название картины, придуманное друзьями художника, сразу напоминало о героине романа Александра Дюма "Дама с камелиями" - блестящей, холодной и расчетливой даме полусвета.

Лишь немногие поддержали Мане в его творческом поиске. После смерти художника его друзья собрали деньги и выкупили полотно у вдовы мастера, а затем буквально навязали государству. Картина отправилась в запасники Люксембургского дворца, а позже переехала в Лувр, и лишь в 1947 году она, наконец, заняла своё законное место в Музее импрессионизма и затем была передана в Музей д’Орсэ, открывшийся в 1986 году.

Впервые "Олимпия" покинула Францию в 2013 году - она стала частью экспозиции в венецианском Дворце дожей и демонстрировалась вместе с "Венерой Урбинской". По словам директора Музея д’Орсэ и историка искусства Ги Кожеваля, для того, чтобы эта выставка состоялась, были проведены переговоры на самом высоком уровне. В том числе потребовалось личное участие президента Франции Франсуа Олланда. И именно он способствовал и тому, что картина во второй раз покинула родные стены - на сей раз отправившись в Россию. "Я обратился к нему с вопросом, можем ли мы предоставить "Олимпию" для выставки в России. И президент ответил, что не против того, чтобы она направилась в Москву", - сказал Кожеваль.

Никто не мог предположить такого чуда, в свою очередь, рассказала Ирина Антонова - президент ГМИИ им. А.С. Пушкина. "Мы обсуждали с месье Кожевалем одну из предстоящих выставок в ГМИИ им. Пушкина, и я отметила, что "Олимпия" очень подошла бы для нее. "Я понимаю, что просить ее невозможно", - сказала я. Он очень внимательно посмотрел на меня и произнес: "Ну почему же невозможно". И тогда начались переговоры. Это очень большой жест для музея - расстаться с таким сокровищем".

Антонова добавила, что нынешняя выставка в Москве сравнима по значимости разве что с такими событиями, как явление в стенах ГМИИ им. Пушкина в своё время "Сикстинской мадонны" Рафаэля и "Джоконды" Леонардо да Винчи.

"Олимпия" расположилась в небольшом полутемном зале с бордовыми стенами, превратившимся в своего рода будуар. Организаторы отмечают, что знакомство с картиной должно стать своего рода медитацией: нужно сесть напротив полотна и долго вглядываться в изображение. "Это совершенно особая живопись, - рассказала Марина Свидерская. - Мане писал без теней, без скульптурного пластического основания. Он писал только цветом. В результате возникает удивительный эффект - совершенно некрасивая девушка с неклассическими пропорциями приобретает удивительную красоту и свежесть". Искусствовед отметила, что в картине есть тяготение к чертам художественного примитива - большие плоскости цвета и резкие контрасты. Но вместе с этим в ней присутствуют царственное богатство колорита и виртуозное разнообразие мазков. Зеленый занавес способствует появлению розового свечения, что делает девушку похожей на распускающийся бутон. "Борис Виппер называл ее розой, обсыпанной росой, - напомнила Свидерская. - У Мане не получилось богини. Но у него получился образ, наполненный свежестью и природной естественностью".

По-настоящему "Олимпия" раскрывается перед зрителем только после изучения отдельных фрагментов картины. Здесь важна каждая деталь - как напряжена голова героини, как смяты шелковые подушки, как соскальзывает с ноги одна из туфелек, как благоухает цветок орхидеи в волосах героини, и как она смотрит на зрителя, прикрываясь левой рукой, точно отталкивая от себя. Пришедшая с цветами служанка вводит в повествование момент действия. Шурша бумагой, она будит кошку, которая изогнула спину, защищая свою хозяйку.

"Этой картиной Мане положил рубеж между всем предшествующим развитием мировой живописи и новым временем. Отказавшись от той системы идеалов, которая господствовала в мировой живописи до середины XIX века, Мане все же сумел сохранить веру в такие вечные чувства, как любовь и красота, - сказала Ирина Антонова. - Он сказал правду о веке, который затем Александр Блок охарактеризует, как "век жестокий, беспощадный". Образ "Олимпии" созвучен с Сонечкой Мармеладовой Достоевского и Катюшей Масловой Толстого. Мы видим этот образ в "Травиате" Джузеппе Верди и на картине "Неизвестная" Ивана Крамского".

Проект "Олимпия" - это не просто выставка одной картины - полотно демонстрируется в окружении трех работ из собственного собрания музея, и в этом кроется особый кураторский замысел, автором которого стала Ирина Антонова. В одном зале с "Олимпией" зрители увидят копию Афродиты Книдской - знаменитой статуи афинского скульптора IV век до н. э. Праксителя. Это первое появление полностью обнажённого тела в европейском искусстве, которое у одних вызвало шок, а у других восхищение. Здесь же можно изучить полотно "Дама за туалетом, или Форнарина", принадлежащее кисти наследника гениев Возрождения Джулио Романо, и картину Поля Гогена "Королева".

"Каждое из этих произведений является своего рода ступенькой к пониманию того, что представляли любовь и красота в разные периоды истории европейского искусства. И помогает нам понять творчество Мане", - сказала директор ГМИИ им. Пушкина Марина Лошак.

Что: Выставка "Олимпия" Эдуарда Мане из собрания Музея д"Орсэ"
Где: Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина
Когда: 19 апреля - 17 июля 2016